Premios a la cinematografía nacional

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El Oscar del cine colombiano se llama Macondo

Por: Oswaldo Osorio

¿Para qué unos Premios Oscar criollos? Para lo mismo que los de Hollywood, para promocionar el cine y fomentar la industria. ¿Y es que existe una industria de cine en Colombia? Realmente no, porque con apenas una docena de películas anuales, que tienen un promedio de taquilla muy deficiente, no se puede hablar de tal cosa. ¿Entonces, lo uno sin lo otro tiene sentido? Es posible que lo tenga, porque cualquier iniciativa para apoyar el cine nacional es útil, pero también se corre el riego de ser solo un remedo de ese sistema y que termine amplificando sus falencias.
Estas podrían ser algunas de las cuestiones que surgen luego de la recién creada Academia Colombiana de las Artes y Ciencias Cinematográficas, así como de la consecuente entrega de Premios Macondo a las películas nacionales estrenadas en los últimos dos años. Ambos hechos se dan en el marco la Semana del Cine Colombiano, promocionada por la Dirección de Cinematografía con unas cifras que han creado polémica por su optimismo, no tanto porque no sean ciertas, sino porque son citadas fuera de contexto y lo que dicen parece distar mucho de lo que ocurre en realidad con el cine nacional.
La chapucera transmisión que hizo Señal Colombia de la entrega de los premios es ya un indicio de todo lo que le falta al cine colombiano para ser una industria como tal. Mientras que los premios en sí, dejan el mal sabor de siempre con este tipo de eventos, donde el público dice una cosa, los expertos otra y lo propio hace la Academia. La prueba de ello es que cada una de estas instancias escogió su mejor película y los tres títulos fueron distintos.
Se comprueba también que este tipo de premios lo son casi siempre de popularidad, pues la Academia es una masa heterogénea que decide por votación, no por consenso, y votan por igual desde el técnico raso hasta el consagrado maestro de cine. Una muestra de lo arbitrarios que pueden ser estos galardones es, entre otros, el premio concedido a Margarita Rosa de Francisco por aparecer somnolienta unas cuentas veces en Del amor y otros demonios. Así mismo, que películas como Los actores del conflicto, Te amo, Ana Elisa o PVC-1 hayan salido con las manos vacías.
No se trata de poner en entredicho por entero las virtudes de las películas o personas que obtuvieron galardones, sino de llamar la atención sobre los medidores que se deben aplicar al cine colombiano, porque no es tanto los Macondos que se entreguen, ni las cifras escuetas del Ministerio de Cultura, y tampoco participar y rasguñar algún premio en numerosos festivales que no están entre los importantes; se trata de mirar de forma seria e integral la dinámica del cine nacional, sin triunfalismos ni derrotismos, porque nuestro cine, tal como va, no admite ser llevado a ninguno de esos dos extremos.
Es cierto que nuestro cine está en el mejor momento de su historia, pero todavía falta mucho para estar en un punto de buen nivel y que éste sea sostenible. Aunque esto no necesariamente implica que haya una industria, porque es improbable que la haya en países como el nuestro. Los que más empeño están poniendo para alcanzar ese nivel son, por supuesto, quienes trabajan haciendo las películas, pero no es suficiente, pues resulta imperativo el compromiso de los exhibidores, garantizándole la oportunidad de ser visto; de los medios, en su labor de divulgación; y del público, con el apoyo en la taquilla. Sin el respaldo de estas tres instancias, todos los esfuerzos que hagan el Estado y la misma gente del cine, pasarán desapercibidos.

Micmacs, de Jean-Pierre Jeunet

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La ternura de una bala en la cabeza

Por: Oswaldo Osorio

El cine actual tiene pocos directores tan originales, imaginativos y encantadores como el francés Jean-Pierre Jeunet. Con esta película confirma esas cualidades y le da continuidad a una obra fascinante y bien definida en los elementos que la componen: todas sus historias son sobre personajes inocentes que se enfrentan a un mundo hostil o corrupto, emprenden una utópica empresa por una buena causa y son ayudados por un simpático grupo de aliados dotados de singulares habilidades.
La anterior es la descripción general de lo que sucede en esta nueva cinta, pero también lo es de sus otras cuatro películas: Delicatessen (1991), La ciudad de los niños perdidos (1995), Amelie (2001), Amor eterno (2004). Es cierto que los cineastas que son autores, es decir, que son dueños de un universo y un estilo definidos, siempre están haciendo variaciones sobre el mismo tema, sin embargo, en el caso de Jeunet, es más bien sobre el mismo esquema, lo cual puede resultar menos atractivo, pues para quienes conocen su obra, tal vez se antoje predecible o reiterativo.
Porque otra cosa es cuando un director, por ejemplo, a partir de una historia, personaje o esquema diferentes, habla del mismo tema pero dice algo distinto cada vez: Won Kar-Wai con el amor, Scorsese con la relación violencia-redención, Almodóvar con el universo y los sentimientos femeninos, etc.

Chéri, de Stephen Frears

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Los últimos placeres de la bella época

Por: Oswaldo Osorio


Amor, desamor, relaciones por interés, ciega pasión y algunas sutilezas, son variantes de las relaciones afectivas que esta historia presenta en un mismo paquete, además, enmarcada en una exquisita puesta en escena que tiene como cómplice uno de los periodos más estimulantes de la arquitectura, el diseño y el ornato, el art noveau, así como un momento de optimismo y bienestar como pocos ha habido en la historia, la llamada Bella Época.
Su director, el inglés Stephen Frears, tiene una muy respetable carrera de cuarenta años en el oficio y es dueño de algunos títulos que dan prueba de su agudeza para construir personajes y su elocuencia para retratar ambientes y periodos: Mi hermosa lavandería (1985), Relaciones peligrosas (1988), The Grifters (1990), The van (1996), La señora Henderson presenta (2005), La reina (2006), entre otras muchas cintas, menos conocidas pero con cualidades similares.
El punto de partida de esta película es el amor y la diferencia de edad en un contexto donde el hedonismo y la solvencia financiera son determinantes. Pero además, lo que le pone el condimento es, de un lado, que la diferencia de edad se da en  la variante mujer mayor con hombre joven, y de otro lado, que la mujer solía ser una cortesana y el joven el hijo de otra. De manera que el concepto de amor por conveniencia es manejado sin rubor alguno ni consideraciones moralistas. El aparente cinismo de uno estar usando al otro hace parecer la relación incluso más honesta, porque cada quien sabe qué esperar.

Wall Street: el dinero nunca duerme, de Oliver Stone

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La ética criminal de los de cuello blanco

Por: Oswaldo Osorio

Si la caída de los regímenes socialistas en Europa del este y la apertura económica de la China comunista supuso el triunfo del capitalismo, esta película de Oliver Stone es la visión de un posible Apocalipsis. Incluso este término es mencionado un par de veces en esta cinta en la que, por segunda vez, el cineasta denuncia y advierte sobre los criminales manejos de la economía estadounidense y, consecuentemente, mundial. Se trata de una película que asume una posición con argumentos y por ello resulta significativa, pero deja un saldo rojo en casi todos los aspectos cinematográficos.
Es difícil encontrar un director más crítico y comprometido con los diversos problemas de los Estados Unidos desde hace un cuarto de siglo. Esto se evidencia desde su célebre trilogía sobre Vietnam (Pelotón, Entre el cielo y la tierra, Nacido el 4 de julio), pasando por sus arremetidas contra los medios (Talk Radio, Asesinos por naturaleza), la historia oficial (JFK) y el deporte (Un domingo cualquiera), hasta sus elaboradas reflexiones y cuestionamientos sobre la política y algunas de sus figuras (NIxon, Comandante, W). Es por eso que, en el mayor fortín del capitalismo, el santo dinero y su manejo tenían también que ser objetivo del ojo fiscalizador de este director. Ya lo había hecho en 1987 con Wall Street, respondiendo a la crisis económica del momento, y ahora la nueva crisis le permite hacer una segunda parte.
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Amor a distancia, de Nanette Burstein

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Con todo un país de por medio

Por: Iñigo Montoya

La comedia romántica es el género cinematográfico que ha cambiado menos en más de setenta años. Por eso, aunque muchas pueden ser realmente divertidas y emotivas (Harry y Sally, Sintonía de amor, Realmente amor, Cómo perder a un hombre en diez días…), ciertamente resulta difícil variar el esquema al punto de ser original. No obstante, esta película en cierta forma lo consigue.
Además del esquema argumental del que parten todas (chico encuentra chica) y del final feliz, está el asunto del conflicto, que siempre es la batalla de los sexos, donde ellos ni ellas saben lo que respectivamente quieren y para conseguir algo del otro ocultan algo o engañan. Pero en esta historia no hay nada de eso, sino que el obstáculo a superar es la distancia: ella está en San Francisco y él en Nueva York, es decir, tienen a todo el ancho país en medio de ellos.
Y aunque no hay ni engaños ni ocultamientos, que es lo que siempre permite las situaciones cómicas, esta cinta consigue esas situaciones cómicas con la construcción de sus personajes y el ingenio de su argumento. Y también cumple con la cuota emotiva y romántica, incluso a partir de una reflexión seria sobre ese complicado problema del amor de lejos.
Con una todavía eficaz Drew Barrymore, porque lleva ya bastante reinando en las comedias románticas, y unos cuentos y coloridos personajes secundarios creados con bastante tino, esta película supera el estándar de las cintas de su género, porque mantiene lo atractivo del esquema, pero lo supo innovar para ofrecer un giro diferente.

La sociedad del semáforo, de Rubén Mendoza

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Un circo renegado en la esquina

Por: Oswaldo Osorio
En el universo de la gente de la calle no todo es miseria, en esta película se les ve con una cierta dignidad, con un halo de trágica poesía y nos devuelven una mirada desafiante y una -más o menos consistente- actitud de renegados sociales. Aunque está protagonizada por recicladores, bazuqueros, prostitutas y todo tipo de trabajadores callejeros, no hay ni un atisbo de pornomiseria, es decir, de explotación de la marginalidad y su tratamiento sensacionalista, que es un fantasma que ha estado siempre presente en el cine, el periodismo y la televisión del país.
Mendoza es conciente de este término inventado por Luis Ospina y Carlos Mayolo, eso se evidencia al inicio del filme cuando, sobre los créditos, pasa un segmento de la banda sonora de la insigne Agarrando pueblo (1978), la película con la que los dos cineastas caleños definieron y criticaron la pornomiseria. También se evidencia al final, cuando el filme es dedicado a Ospina y a su pueblo. Por eso el novel director era consciente del cuidado que debía tener al abordar estos temas y eso se refleja en su película.
De ahí que la marginalidad presente en esta historia no solamente es consecuencia de unas condiciones sociales, sino que también es una suerte de elección, una decisión tomada por muchos de los personajes para vivir al extremo, esto es, optando por la droga, con todos sus infiernos y euforias, renegando de la “vida normal” y concibiendo su permanencia en la calle como una forma de libertad, así como lo es el desprendimiento de todo tipo de lazos, como la familia, el pasado, los bienes materiales y hasta la lealtad a los amigos.

Cartas a Julieta, de Gary Winick

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El segundo plano como protagonista

Por: Iñigo Montoya

Esta cinta tiene todos los elementos de las comedias románticas, salvo por la ausencia de comedia. Tiene el encuentro amoroso de una pareja, la batalla de los sexos y el final feliz. Pero en lugar del humor, esta historia le apuesta al romanticismo, lo cual solo funciona a medias, pues de las dos historias de amor que cuenta, apenas una de ellas logra ser original y seductora.
Pero paradójicamente, la historia que no funciona es la que protagoniza el personaje central. Y es que es difícil sentir mucha simpatía por Sophie (y no es que caiga mal), tampoco por el galán con el que se topa (simplón y sin carisma) y mucho menos con esa relación que van construyendo, la cual cae en el lugar común de la pareja que siente una mutua antipatía y, de repente, se declaran amor eterno.
Sin embargo, es la idea general de la que partió esta película la que se roba el protagonismo. En Verona, Italia, donde Shakespeare desarrolló el drama de Romeo y Juliueta, existe un grupo de mujeres que responden las cartas que dejan los visitantes en un muro de la casa de Julieta. La protagonista termina respondiendo una de esas cartas y avivando un amor interrumpido por cincuenta años.
La búsqueda de este viejo amor es lo que más o menos mantiene a flote este relato harto predecible. El romance que surge de la anciana y su historia resulta mucho más atractivo y encantador que el deslavado amor de la insulsa protagonista y su desganado galán. Ése es el problema de esta cinta, y eso ya es bastante.

Sin tetas no hay paraíso, de Gustavo Bolívar

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La mala televisión se toma el cine

Por: Oswaldo Osorio
Podría pensarse que un gran sector del público colombiano es hipócrita cuando reniega de los temas sobre la violencia y la realidad del país en el cine, pero luego los premia con la más alta audiencia al ser realizados para televisión.
Así mismo, otro gran sector del público alega en general sobre la presencia de estos temas en la ficción nacional, echando en el mismo costal lo que hacen ambos medios, sin darse cuenta de que no se puede equiparar el tratamiento que hace uno y otro. De ahí el gran problema de esta película, que acaba de un tajo con la diferencia que existía.
Poco es lo que se puede decir de esta cinta, por eso es mejor aprovecharla como excusa para hablar del tema de fondo referido en el párrafo anterior. Lo primero que hay que dejar en claro, entonces, es que por su sistema de producción y el formato que los define, un producto televisivo es muy distinto a uno cinematográfico.

Residente vil 4, de Paul S.W. Anderson

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La saga se sale de la pantalla

Por: Iñigo Montoya

La adaptación de video juegos al cine es ya una práctica común. Es apenas lógico que las dos más poderosas industrias del entretenimiento unan fuerzas para hacer productos aún más multimillonarios. Incluso ya muchos de los nuevos juegos son concebidos pensando en la adaptación cinematográfica y, así, ambas formas expresivas cada vez están coincidiendo más en su lenguaje.

No cabe duda de que una de las mejores simbiosis entre ambos medios ha sido la saga de Resident evil, aunque es necesario precisar que esta afirmación se aplica especialmente a la primera entrega: ver la película es como estar en el juego. Se trata en general de una historia de zombis pero con la lógica del cine de acción. El esquema es tan simple como efectivo, y así ha funcionado, con mayor o menor fortuna, en las cuatro entregas.

La novedad en esta cuarta parte no podía ser otra que su presentación en 3D, con la tecnología que se está imponiendo en el cine de entretenimiento. Este nuevo aditamento indudablemente hace aún más cercanas las experiencias de ambos medios, la del video juego y del cine. Aunque también es cierto que el 3D está siendo sobrevalorado, empezando por la incomodidad de estar toda la película con las gafas puestas y, aunque la imagen gana en profundidad y agrega ciertos efectos, pierde en nitidez de imagen y color (haga la prueba y quítese las gafas por un momento).

Sin ser un gran fanático ni del juego ni del cine de acción ni del cine de zombis, aún así, es una película que se deja ver, que le provee al espectador lo que le promete, lo que se le puede pedir a este tipo de cine, y más todavía, porque la última promesa antes de la aparición de los créditos, es que habrá una quinta entrega. La espero sin mucho entusiasmo, pero la veré sin falta.

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