Submarino, de Thomas Vinterberg

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La desolación de dos hermanos

Por: Oswaldo Osorio


Cuando surge en Dinamarca el movimiento Dogma 95, del que hacía parte el director de esta película, Thomas Vinterberg, su principal propuesta era despojar al cine de los artificios y efectismos con que cada vez lo cargaba más la industria. No obstante, podría decirse que lo que no tenían de efectistas en luces, maquillaje o banda sonora, lo tenían en la construcción de sus dramas, por eso las películas del movimiento siempre tenían en sus tramas y personajes una carga dramática que rayaba con el exceso y hasta con la truculencia.

Vinterberg es el que primero hace una película Dogma (Celebración, 1998), aunque no la firma, como lo pedía uno de los puntos del decálogo del que partió el movimiento. Y si bien luego hizo otras películas que nada tuvieron que ver con este cine, con Submarino vuelve a los terrenos de la puesta en escena sin afeites ni artificios, confiando solo en el gran trabajo de sus actores y, por supuesto, en la acumulación de drama.

Y es que la vida de dos hermanos, condicionada por una dura infancia y un suceso trágico, no podía dar otra cosa que un drama de grandes proporciones, el cual se acrecienta en cada escena con una acumulación de situaciones adversas, ya marcadas por la marginalidad o por lo que parece ser un ineluctable destino siempre en picada. La conexión entre esos dos desamparados niños con su madre alcohólica y los dos hombres en que se convierten, desorientados y sin ninguna oportunidad, es una relación tan obvia como inevitable y es la que termina dándole sentido a toda la historia.

Es cierto que, como con las películas de Dogma 95, molesta un poco ese “efectismo dramático” y esa acumulación de tragedias, todo tal vez muy enfático en su interés por provocar sensaciones fuertes en el espectador. Sin embargo, el efecto que consigue realmente puede hablar de sentimientos y emociones, que es para lo que resulta siendo más propicio y eficaz el cine. Es con películas como esta que buena parte de la audiencia puede acercarse a esos sentimientos y emociones que en su vida cotidiana tal vez nunca experimentará.

En este caso se trata de una desolación existencial, porque no se conoce otra cosa, porque las marcas de una infancia difícil nunca se borraron. Es el día a día movido únicamente por la obligación de una atenuada supervivencia. Aunque esto solo aplica al hermano mayor, porque cuando conocemos la vida del menor, cuando creíamos que el relato no se podía tornar en el algo peor, pues resulta que lo es, pero con el agravante de que su historia cierra un círculo vicioso que no por evidente es menos contundente.

Submarino es una película dura y desoladora, lo cual consigue en parte debido a unos artificios dramáticos, que no por eso son menos válidos y eficaces dentro de la lógica de construcción de una ficción, porque, como decía otra película danesa, aunque sea ficción, igualmente duele.

El exótico Hotel Marigold, de John Madden

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La vida al final de la vida

Por: Oswaldo Osorio


Las historias crepusculares pueden ser un arma de doble filo, pues se suelen hacer con ellas blandos y sensibleros relatos sobre la vejez, pero también pueden ser el vehículo para hondas reflexiones sobre la vida y su paso por ella. Esta cinta inglesa tiene un poco de ambas cosas, sin excederse en los extremos, para bien y para mal, sobre todo porque decide apelar a un tono de fábula desenfadada que quiere ofrecer un relato agradable y entretenido.

Un grupo de hombres y mujeres, ya en el final de sus vidas, deciden viajar a la India, a un lugar donde se les promete confort en medio de una tierra exótica. Parece una decisión extrema, pero cada uno de ellos tiene sus motivos para dejar la rancia Inglaterra y buscar nuevos y coloridos aires. Unos van para reparar cosas, otros para darse una última oportunidad y alguno simplemente porque ya no tienen nada qué perder.

Como apenas es natural, lo que mueve la historia son las diferentes personalidades de los nuevos huéspedes del Marigold y la forma como asumen su estadía allí. Es por eso que el énfasis de la producción está en ese reparto de primera que lo soporta y sus actuaciones. Tom Wilkinson, Maggie Smith, Judi Dench, Bill Nighy, entre otros, le dan la variedad y el brillo que busca la película para mantener enganchado al espectador.

Los dramas propios de esta edad son expuestos con habilidad y en esa justa medida en que no se asumen densas reflexiones sobre esos tópicos ni tampoco los banaliza. La cercanía de la muerte, la necesidad de ser útiles, la disfunción sexual, el anhelo de todavía desear y ser deseados, las cuentas por saldar con la propia existencia, en fin, esos temas que no solo aplican para quienes están en el otoño de su vidas, sino que pueden ser reveladores para cualquier espectador si les da la importancia que la historia sugiere.

La aventura de crear una nueva vida al final de la vida es lo que le otorga a este filme la emoción y el carisma que tiene, un carisma determinado por sus actores y esos personajes que logran construir. Aunque no está exento de maniqueísmos y trucos fáciles para que el público capte de inmediato las ideas, como la presencia de una de las mujeres que desde el principio repele todo cuanto tenga que ver con ese lugar barbárico y que, por consiguiente, sirve de contraste obvio para simpatizar con los demás personajes y el sitio donde se encuentran.

Por otra parte, es una historia de ingleses en la India, pues del país, salvo por el exotismo, la muchedumbre y el colorido, poco se dice o reflexiona. Tal vez una alusión a un remoto y dorado pasado, pero el fin último del filme es contar una historia agradable y emotiva, con un coro de personajes que ofrecen distintas y aleccionadoras visiones sobre la vida.

El doble del diablo, de Lee Tmahori

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Propaganda contra el mal

Por: Oswaldo Osorio


Cuando Estados Unidos y sus compinches invadieron a Irak en 2002, hablaban del “Eje del Mal” para referirse a este país junto todos los que estaban en contra de su imperio. Que una película sobre Uday Hussein, el hijo mayor de Sadam Hussein, se titule El doble del diablo (The Devil’s Double), es señal inevitable de que se trata de una visión del personaje y su historia cruzada por la mirada del vencedor que aún hace propaganda de guerra.

Aunque la producción es inglesa, toda está hecha con la lógica y parte del personal de Hollywood. Incluso su director, el Neozelandés Lee Tmahori, quien tanto nos entusiasmó con su ópera prima (Somos guerreros, 1994), luego devino en un común realizador de thrillers o de películas de acción, incluso dirigió una de las entregas de James Bond (Otro día para morir, 2002).

No obstante, con estos datos no estoy argumentando la idea de que esta nueva película se trata de otra cinta más de Hollywood, que esquematiza y mira de forma maniquea un tema que tiene su carga política. Eso solo es cierto parcialmente, porque también se puede ver en ella un intenso thriller, creado con precisión y en el que se ponen en juego otras consideraciones, sobre todo en relación con la corrupción del poder.

Y es que la película se articula sobre el contante contrapunto entre las dos caras de una moneda que tiene la misma imagen. De un lado, Uday Hussein, un hombre cruel, vicioso y sicópata que toma todo lo que quiere, sin ningún escrúpulo ni consideración. De otro lado,  Latif Yahia, quien fuera obligado a ser su doble (cosa que siempre se ha puesto en duda), y que es dibujados como el iraquí patriota y con un claro sentido moral de lo que es correcto y lo que no.

Independientemente de este maniqueísmo, donde el malo es más que malo y con él todo lo que representa (el régimen terrorista derrocado por las potencias de Occidente), es un relato que sostiene una tensión creciente a partir del referido contrapunto. A pesar de los trazos obvios, también es posible reflexionar acerca de esos tiranillos, sobre los que no hay ley ni justicia, que toman y tiran lo que quieren amparados en un poder que ni siquiera es suyo.

Es inevitable preguntarse constantemente durante la película qué tanto de eso fue verdad. Porque en estas reconstrucciones biográficas, en las que la realidad puede estar condicionada por imperativos dramáticos o ideológicos, se trata de una pregunta no solo válida sino necesaria, pues con este tipo de películas, aunque estén empacadas para ser entretenimiento por vía del cine de género, es recomendable hacer una lectura atenta de sus elementos y no caer en la trampa de ser instruidos por un discurso que termina siendo pura propaganda.

Sin palabras, de Ana Sofía Osorio y Diego Fernando Bustamante

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Solo con gestos, señas y dibujos

Por: Oswaldo Osorio


Las historias sencillas no son muy habituales en el cine colombiano, sino que ésta es una cinematografía que si bien está poblada por personajes ordinarios, suele sucederles cosas extraordinarias, la guerra, por ejemplo, que por más común que sea para este país, es necesario negarse a aceptarla como algo normal. Y cuando no pasan cosas extraordinarias, es que pasan muchas cosas, pues los guiones están llenos de acciones y giros, así como los personajes cargados de drama o de singulares personalidades.

Con esta película ocurre lo contrario, su historia es de una simpleza que solo da lugar a concentrarse en lo esencial, esto es, la relación entre dos personas y los nuevos sentimientos que surgen del mutuo contacto o los viejos que despierta la presencia del otro. Raúl trabaja en una ferretería y Lian llegó como “carga” de China y se quedó varada en la fría Bogotá camino al sueño americano.

Estos dos personajes tienen en común que están físicamente en el mismo lugar peros sus expectativas se encuentran en otra parte. Para Lian se encuentran en Estados Unidos, donde será “Happy” vestida sofisticadamente y llamando por celular con los rascacielos de fondo; mientras Raúl tiene la cabeza en Alemania, donde se encuentra su ex novia viviendo con quién sabe quién. Pero es justamente el encuentro con el otro lo que los confronta, al tiempo que se empieza a esbozar una tierna historia de amor.

El título de la película ya sugiere lo que será la obligada dinámica de esta relación. La comunicación se hace con gestos, señas y dibujos. Con eso es suficiente para transmitir, con torpeza pero finalmente con claridad, unos imperativos emocionales y de supervivencia. A Raúl lo alcanzamos a conocer más y por eso su conflicto es más complejo, un conflicto que no se limita a la pérdida de su novia, sino que esto solo pone de manifiesto sus dudas vocacionales y existenciales.

Al final ambos tendrán que tomar decisiones definitivas para el rumbo que deben seguir sus vidas. En principio, piensan esas vidas por separado, pero sin duda esas decisiones fueron determinadas por el contacto con el otro y por esa jornada que vivieron juntos y en la que se inspiraron mutuamente. Si bien ya eran unos personajes optimistas y bienintencionados, la relación con el otro les reforzó esa actitud frente al mundo.

Se trata, pues, de una historia sencilla y emotiva, donde no se tratan los grandes temas que suelen poblar el cine nacional, pero que plantea unas ideas que tienen importancia y validez universales. Es una historia que en toda su sencillez depende en buena medida del completo y convincente trabajo que hace el actor Javier Ortiz, de quien depende casi toda la fuerza dramática y comunicativa de una cinta en la que se habla poco pero se puede entender mucho.

Amor y erotismo en el cine colombiano

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Del intento de sonrisa que termina en mueca

Por: Oswaldo Osorio

Mientras una mujer se cepilla los dientes y se aplica crema en la cara frente al espejo, desde atrás la penetra un hombre. La rutina mañanera de la mujer y el diálogo entre ambos sobre temas domésticos, además de hacer del acto sexual un mero trámite mañanero, lo convierte en una acción casi grotesca. Esta descripción corresponde a la escena inicial de La gente de La Universal (Felipe Aljure, 1993), la primera película que da cuenta, de manera concreta, de un cambio de actitud del cine colombiano en la representación del amor y el erotismo, un cambio del que si bien ya se habían visto indicios en la década anterior, es a partir de este momento cuando, en la cinematografía nacional, se tuerce la senda para estos dos temas capitales del cine y el arte en general.

Al comienzo todo era inocente e idílico. Nuestro cine silente, realizado en la década del veinte, estaba definido por las historias de amor, pero un amor cándido e idealizado por el melodrama y el romanticismo de las novelas decimonónicas, como María (Jorge Isaacs) o Aura y las violetas (José María Vargas Villa). Naturalmente, era un cine sin contaminación erótica en absoluto, como correspondía para la época. Y no importa lo impolutas que fueran estas historias, casi todas eran protagonizadas por actrices italianas (que algo de pierna mostraban), porque el del cine era un oficio de dudosa reputación.

Saltando el desierto cinematográfico de los años treinta, la década siguiente, correspondiente a un retrasado inicio del cine sonoro (pues fue inventado en 1927), tuvo unas características similares: poco cine, muchos cándidos romances y nada de aquello. Así mismo, de un plumazo, se pueden despachar los dos decenios siguientes, el primero muy escaso de cine y en los sesenta nuestro cine está pensando, por primera vez en su historia,  en la realidad del país, una realidad que no daba cabida a las historias de amor, y aunque en Europa y luego en Hollywood ya se estaban entregando al “destape” producto de las revolución sexual, en Colombia todavía no estaban para esos calores.

El amor fue escaso como centro de los relatos en los setentas y tan solo algunos atisbos de escotes y carne, muy poco de esto tratado con el énfasis del erotismo. Habría que esperar a la década siguiente para que se contaran más historias de amor y se diera el verdadero destape en el cine nacional. Gustavo Nieto Roa, además de sus populares comedias, también contó algunos romances de cine. Ya había empezado con una nueva versión de Aura o las violetas (1974) y también dirige, entre otras, Tiempo apara amar (1981), con Claudia  de Colombia haciendo de una monja que se enamora y renuncia a su vocación.

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La playa D.C, de Juan Andrés Arango

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La marginalidad del desterrado

Por: Oswaldo Osorio


El destierro es una palabra con distintos significados. Es verse obligado a salir del lugar de origen, o lo que en colombiano llaman desplazamiento forzoso, y también es ese lugar ajeno, generalmente hostil con el advenedizo, donde recala el desterrado. Esta película da cuenta de esos dos significados, de forma sutil y sugerida en el primer caso, y con mayor fuerza visual y dramática en el segundo.

Es por eso que, más que una película sobre el desplazamiento, es sobre las consecuencias de este. El joven Tomás y su familia pasaron de su tranquila vida en la cálida Buenaventura a un estado de zozobra, incertidumbre y marginalidad en el frío de Bogotá. Esta ciudad los acoge de mala gana, los proscribe a vivir en sus cerros y a recoger las migajas que puedan para ganarse la vida. Están en esa ciudad pero en realidad no es suya, así que tienen que construirse la propia.

La Bogotá que construyen es una ciudad inédita en el cine colombiano. No es la de las grandes avenidas, la ciudad pudiente –y excluyente- del norte o la de Monserrate en el fondo. Es una Bogotá poblada por gente que no es de Bogotá, gente de piel oscura y que ha colonizado unos sectores donde más o menos se sienten cómodos entre sí. Pero también, en el aspecto visual, es una Bogotá más fría que de costumbre, esto gracias a una decisión desde la fotografía que enfatiza la adversidad de esta atmósfera para aquella comunidad acostumbrada al golpe del sol y al olor a mar.

El relato se centra en Tomás y sus dos hermanos, el menor metido en las drogas y el mayor siempre queriéndose ir de allí, para el norte, de polizón. Los tres viven la marginalidad a su manera, pero los hermanos de Tomás ya están perdidos para esta tierra, mientras que él aún tiene esperanza, aún cree que puede hacer de esa grises y frías calles su hogar. Por eso, en esencia, termina siendo una historia sobre los que se quedan y quieren construir un futuro, sin sucumbir a las acechanzas de ese ambiente hostil: la droga, la delincuencia, la muerte o un nuevo destierro.

La gran virtud de esta película es que habla de dos de los grandes temas del país, la marginalidad como consecuencia del desplazamiento y la violencia  que lo ocasionó, pero hace la diferencia por la manera como los aborda. La violencia es solo sugerida, aunque su recuerdo y secuelas son omnipresentes, mientras que con la marginalidad logra una cercanía y espontaneidad (llevadas de la mano de un buen manejo de los actores naturales) que se revela como una mirada honesta y sensible, cualidades claves para no caer en la pornomiseria o la conmiseración.

Con un relato naturalista y sencillo, que sigue de cerca la cotidianidad de un joven que enfrenta la marginalidad del desterrado, pero con un tratamiento visual estilizado, esta película habla de los grandes temas del país y del cine colombiano, pero lo hace de forma sutil y sugerente, por lo que esos personajes y su realidad se nos presentan de una manera más cercana y elocuente.

Kinetoscopio 99

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Enamorados de Marilyn


Ya salió la edición casis cien de la única revista de cine del país. A propósito de los cincuenta años de la muerte de la diva eterna Marilyn Monroe, su dossier está dedicado a ella, a su vida, su mito, sus inigualables fotos y sus principales películas.

Llega con sus habituales secciones dedicadas a los festivales de cine, al cine latinoamericano, al documental y al cine colombiano. En esta última hay reseñas de las películas Gordo, calvo y bajito, Sanandresito, La sirga y las últimas tres cintas de Dago García.

En la sección En cartelera hay reseñadas trece películas, entre las que se encuentran Habemus Papa, El niño de la bicicleta, Una separación, Somras tenebrosas, Un método peligroso, Le Havre y De roma con amor.

Looper: Asesinos del futuro, de Rian Johnson

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El futuro es lo que haga hoy

Por: Oswaldo Osorio


Los viajes en el tiempo siempre será un tema recurrente en el cine de ciencia ficción. Y esto es porque, además de sus enormes posibilidades argumentales y dramáticas, potencia una de las grandes virtudes de este género, esto es, su capacidad para proyectar un probable futuro de la humanidad y confrontarlo con nuestro tiempo. En este proceso, por lo general, queda evidenciado no solo el mal camino por el que va el mundo, sino y sobre todo, el pesimismo con el que inevitablemente el hombre ve su futuro.

Otra cualidad de este tema es que esas posibilidades argumentales han permitido crear algunas de las historias más fascinantes y originales de la ciencia ficción. Looper da fe de esta cualidad, pues su propuesta argumental sorprende y mantiene siempre la expectativa por lo que pueda suceder. Se trata de hombres en el 2044 que asesinan a quienes les envían del futuro, cuando ya es posible viajar en el tiempo y las organizaciones criminales acuden a esta posibilidad como la forma más limpia de deshacerse de alguien junto con su cadáver.

La primera parte de la historia es un vertiginoso e intrigante relato sobre la forma como funciona este sistema de ejecuciones y el universo de los loopers, los asesinos. Luego baja el ritmo y más que de la trama ciencia ficción, habla de los personajes, sus relaciones, afectos y emociones. De esta manera complementa la complejidad de la trama con el peso de unos personajes bien dimensionados.

Y si bien se trata de una hipnótica trama, ya por vía de la cadena de acciones o por el conocimiento de los personajes, es una historia que en principio parece que no va más allá de los jugueteos propios del género. Lo ideal es que una película diga algo con más sustancia que el simple juego narrativo y ficcional.

Pero este inteligente filme es en el último momento, en el momento en que el protagonista sabe lo que debe hacer, cuando nos damos cuenta de la poderosa reflexión que propone esta historia sobre las consecuencias de las acciones en el tiempo. Aunque suene obvio, la idea es que podemos cambiar el futuro con nuestras acciones, pero menos obvio es decir que detenernos a pensar en esas acciones es pensar en el futuro. Dicho así puede sonar demasiado evidente, pero la forma como queda expresado esto en el clímax de la película es casi reveladora, haciendo además de su final algo impactante y significativo.

En medio de esto están, por supuesto, las paradojas propias de los viajes del tiempo, que la más de las veces son usadas caprichosamente por este tipo de historias, pero que en otras, son los puntales para plantear reflexiones más hondas, como ocurre en este caso con la eterna pregunta sobre si somos la misma persona luego de treinta años. De nuevo, con solo decirlo, no parece muy significativo, pero ver al personaje (en singular) de Bruce Willis y Joseph  Gordon-Levitt frente a frente conversando y confrontándose, es uno de los momentos del cine más inquietantes e inolvidables que se haya podido ver, como toda esta película.

Posicionamiento del cine colombiano en redes sociales

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Por: Mateo Sepúlveda Gómez

Con el boom de las redes sociales, se hace casi imposible hablar de un largometraje sin campaña en redes sociales. Aunque en Colombia se ven casos sorprendentes de largos sin posicionamiento en redes, la mayoría sí hace uso de ellas, por lo menos de las más tradicionales Facebook, Tuenti, Twitter y Youtube. Son casos aislados quienes hacen uso de otras redes sociales como Flickr, Myspace, Tumblr o Google+, quizás porque no son muy populares en nuestro país, o quizás no son populares porque empresas e industrias culturales no las han aprovechado para compartir contenido.

Facebook es la red social más popular en nuestro país con más de 15 millones de usuarios registrados, y por eso no es de extrañar que sea Facebook la red social más utilizada por los largometrajes para promocionarse, por eso será el centro de nuestro análisis, y porque, después del sitio Web, es quizás la herramienta más importante de promoción en Internet.

Comenzaré por explicar en general cómo es el trabajo en redes sociales de la mayoría de producciones de Hollywood. El trabajo de posicionamiento en redes es muy amplio y comienza en los medios convencionales, donde se invita al usuario a remitirse al sito Web y a las redes sociales por más información, también desde la Fan page de la compañía productora, del director, de los protagonistas y todas las personas involucradas se emite contenido que remite al Fan page y sitio Web de la película.

Estas películas pagan los Facebook ads,  que es publicidad personalizada, es decir, dirigida a ciertos usuarios que, teniendo en cuenta sus actividades, podrían tener cierto interés en la película. No se usan estrategias independientes en cada red social, todas son integradoras, constantemente el contenido generado hace ir de una red social a otra, siendo siempre la pagina Web el centro de todo.

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