“Lo único que se mueve aquí es la luz, pero lo cambia todo”

Por: Mario Fernando Castaño

Es complicado hablar de una película en la que se intuye que la mayoría de personas la han visto y no pensar en los que no lo han hecho, teniendo en cuenta que su final es la clave de todo. Lo más obvio sería advertir al lector desprevenido que no caiga en un spoiler que se puede limitar a una sola frase y que pueda arruinar la sorpresa. Decidí entonces hablar de ella sin tocar el final que es casi como caminar sobre papel de arroz, pero es que es de esto que se alimenta esta historia, contar mucho acariciando la esencia y generando el suspenso.

Todo se desarrolla en 1945, en las islas Channel, Jersey, cerca de las costas francesas de Normandía en el Canal de la Mancha, al término de la II Guerra Mundial. Grace (Nicole Kidman) espera el regreso de su esposo en un caserón que bien podría pertenecer a una época victoriana de mansiones encantadas. Vive allí con sus dos pequeños hijos Anne (Alakina Mann) y Nicholas (James Bentley), en donde reciben a unos inesperados sirvientes, la señora Bertha Mills (Fionnula Flanagan) y el señor Edmund Tuttle (Eric Sykes), junto a una joven muda llamada Lydia (Elaine Cassidy) y estos, al asegurar que ya habían trabajado en la casa anteriormente, son contratados por Grace, quien les indica unas exigentes reglas, como el mantener las puertas bajo llave, respetar el silencio y una de las más importantes, siempre tener las cortinas cerradas debido a que sus hijos son hipersensibles a la luz.

El actor Tom Cruise, cautivado por la dirección del chileno- español Alejandro Amenábar (Tesis,1996), le propone dirigir su propia versión estadounidense de Abre los ojos (1997) para la película Vanillla Sky (2001). Éste se niega, pero la insistencia de Cruise tiene éxito más adelante al comprar los derechos y producir junto con Miramax el nuevo proyecto del director para plasmar en pantalla Los Otros en 2001. Amenábar, el responsable de escribir, dirigir y hasta musicalizar la cinta, impone la condición de grabar con su propio equipo de producción eligiendo como locación Las Fraguas, en Cantabria, España.

La historia, a pesar de ser un guion original, bebe de varias referencias teniendo como base la novela Otra vuelta de tuerca (1898) de Henry James o la película Los inocentes (1961), que es una adaptación de la misma obra; además toma elementos muy característicos del estilo de Alfred Hitchcock para aplicar su dosis de suspenso, teniendo en cuenta que el director no solo sigue su estilo argumental, sino que escoge una rubia como protagonista y le pone como nombre Grace, por lo que es imposible no relacionar a Grace Kelly, una de las musas del maestro del suspense.

Además, su ambiente de casas encantadas recuerda aquellos clásicos del género de fantasmas, incluso algo del cine oriental enfocado en lo sobrenatural, sin embargo, todos estos elementos combinados crean una nueva atmósfera que se hace diferente dentro de códigos visuales y argumentales ya conocidos, pero que traen sorpresas de una manera efectiva e inteligente al tomar su propia forma y estilo y, a pesar de tener de cerca la exitosa película El sexto sentido (2000), que posee una historia similar, logró cautivar al público, ganando 8 premios Goya de los quince a los que estaba nominada, incluyendo Mejor sonido, Mejor fotografía, Mejor Dirección y Mejor Película.

La película también sirvió como un nuevo punto de partida para la actriz australiana Nicole Kidman por su destacada participación siendo un pilar básico para la historia. La presencia blanca, frágil y hermosa de su personaje contrasta con su temple de autoridad y convicción religiosa basada en el castigo divino, ocultando de esta manera su frustración y soledad al enfrentar la ausencia de su esposo y la responsabilidad de hacerse cargo ella sola con la crianza de sus hijos. La actuación de los niños es impecable, mientras Anne se ve como una figura rebelde frente a la autoridad y el amor distante de su madre, Nicholas se presenta temeroso y siempre opacado por su hermana, todo esto producto de la ausencia paternal que es reemplazada de cierta manera por Bertha, la sirviente, y que complementan una misteriosa presencia con el jardinero y la joven muda que los acompaña.

El argumento de la historia se va decantando poco a poco pero no logra bajar el interés por la misma, los pertinentes diálogos, el manejo efectivo de la iluminación junto con el color y esas escenas de miedo que, a pesar de manifestarse en eventos sobrenaturales predecibles, como puertas que se cierran solas, sonidos de pasos o un piano que se toca a sí mismo, más que buscar un susto fácil logran generar en el espectador un frío que sube como dedos helados caminando por la espalda.

El final es lo que más destaca y extrañamente, incluso haciendo una revisión, el impacto es casi el mismo y esto es el resultado de una historia construida con un muy buen sustento a nivel argumental. El espectador se deja sorprender por ese clímax que se acepta sin más, debido a que la credibilidad y la lógica de los hechos son definitivos y contundentes.

Los otros, dentro de su belleza melancólica, es una obra magistral que marca un punto de partida para el cine español dentro del género de terror, como pueden ser El Laberinto del Fauno (2006), de Guillermo del Toro, o El Orfanato (2007), de Juan Antonio Bayona. Además de proponer algo diferente que ya venía contaminado con películas en las que reinaban los clichés. Es una historia que invita a reflexionar sobre muchos aspectos de la vida y, por qué no, de la muerte, en donde se entrelazan de una manera en la que podríamos convivir con esas presencias que nos acompañan, nos observan y susurran en nuestros oídos, dándonos a entender cuánto les importamos para poder existir sin que valga la pena saber si somos ellos o los otros.

 

 

Del 11 al 14 de agosto se realizará VARTEX 8: Muestra de Video y Experimental de Medellín, esta vez en su versión online. Este año traemos una programación diversa que reúne cuatro muestras de exhibición, dos talleres de formación, una master class y una VJ Jam Session Online.

El programa de exhibición se compone de 80 piezas de video que están divididas en 4 muestras: la muestra local que reúne la más reciente producción del video experimental de Medellín, la cual fue el resultado de una selección de entre un centenar de obras recibidas por convocatoria; la muestra nacional y la muestra internacional  “Otros paisajes”, es un proyecto curatorial del artista pereirano Andrés Cuartas, y en las cuales se exploran las relaciones entre el paisaje, el cuerpo y el territorio; y la muestra de videoclip “Influjo experimental”, una curaduría de SoundieClub.

Para la sección de formación se abrieron dos cursos virtuales los cuales agotaron sus cupos. El taller de video glitch: destruye tus archivos de video, dictado por Andrés Cuartas y el curso de Apreciación del video experimental, dictado por el crítico de cine Oswaldo Osorio. Además, tendremos la master class “Arte, Video proyección y luz”, dictada por la artista y VJ Laura Ramírez – OPTIKA.

Como novedad para la muestra, tendremos una VJ Jam Sessión con tres artistas VJ; Laura Ramirez- OPTIKA, Carol Tuberquia y Paula Vélez; allí conversaremos sobre los procesos de creación en el VJ y su relación con el lenguaje experimental, además mostraremos algunos de las últimas exploraciones de estas artistas.

Les compartimos la programación general y los invitamos a que se conecten a través de las páginas de facebook y youtube de Cinéfagos.net para la transmisión en vivo de toda programación.

“Nada bueno puede pasar cuando dos hombres quedan solos en un falo gigante.”

Por: Mario Fernando Castaño

Sí, “un falo gigante”, esta es la clara y directa definición que el director Robert Eggers da a su película, resumiendo así la historia de dos fareros del siglo XIX que viajan a una isla misteriosa alejada de las costas de Maine para cuidar un faro durante 15 días. Sus planes se frustran debido a una tormenta y se ven forzados a quedarse por un tiempo indefinido, dando como resultado que la locura se haga presente y la convivencia en el aislamiento forzado se vuelva insostenible al chocar sus diferencias personales como ola contra la roca.

Ya Eggers viene imponiendo una forma alternativa de apreciar el terror con La Bruja (2015), creando diferencias en un público que está más acostumbrado a otro tipo de estéticas y argumentos. El Faro (The Lighthouse) en esta ocasión se desarrolla sin pretensiones, definiendo su propio estilo y en dónde todo tiene un propósito. Esto lo apreciamos desde su inicio en un claustrofóbico formato 4:3, que hace ver la pantalla casi cuadrada y con una maravillosa fotografía en blanco y negro que alude al cine expresionista en los albores del cine, creando una atmósfera fría, desolada y amenazante, en donde hasta las gaviotas se convierten en una señal de malos presagios y todo esto ambientado bajo las notas que más bien son sonidos oscuros realizados por el maestro Mark Korven en la banda sonora, acompañando nuevamente a Eggers, esta vez siendo su cómplice directo en llevar al espectador a sentirse incómodo y a pasar por un mal momento que solo los que degustan este tipo de géneros disfrutan con morbosidad cinéfila.

La dupla de actores no podría estar mejor, ellos van de la euforia a la más descarnada de las locuras. Willem Dafoe, por su lado, expone acá una de sus mejores interpretaciones, aludiendo a esos viejos lobos de mar con su jerga, gestos, actitudes y líneas casi teatrales. La larga experiencia del personaje le da el poder de tener acceso exclusivo al faro, con el que guarda una singular relación y que refleja de alguna manera la luz del conocimiento que Zeus guardaba celosamente hasta que Prometeo la robó para los hombres. A su sombra está su compañero, interpretado por un maravilloso Robert Pattinson, un actor que no deja dudas de su calidad, dando vida a una persona que está escapando de un oscuro pasado que lo encuentra hasta este inhóspito lugar, a medida que va acumulando la frustración que se cierra cada vez más al recibir la presencia imponente de su tutor que no para de dar órdenes y comportándose con él de la peor forma, a menos que estén servidas las copas y se pierdan en la bebida, como si así pudieran ignorar y ahuyentar a sus demonios.

El faro, casi como un tercer personaje, se hace sentir, siendo el centro de la discordia y el canal de la locura, su sirena a veces asemeja a una gigante criatura que invoca con su incesante llamado a seres que habitan durante tiempos sin tiempo la profundidad de los océanos. El terror psicológico casi roza con lo Lovecraftiano, llevándonos a dudar de lo que estamos viendo, siendo cómplices del desenfreno, de esa caída hacía lo más oscuro de la naturaleza humana.

Una historia que pasó fugazmente por nuestro país a finales de 2019 y que, al no tener un reconocimiento público, no significa que esta no sea una nueva obra maestra del género del thriller psicológico, sí así la quisiéramos encasillar. Este es un viaje sin retorno a las más retorcidas y maliciosas actitudes del ser humano, en donde no importa que tan lejos queramos escapar del pasado, este siempre nos encontrará y cobrará lo suyo, como si fuera una de esas criaturas milenarias que habitan el plomizo mar y que sin importar el tiempo acuden al llamado de un faro en una isla alejada del mundo.

Un diario íntimo

Por: Oswaldo Osorio

Si el cine es como la vida, con películas como ésta cada vez está más cerca de la vida misma. Aunque históricamente el cinematógrafo ha sido artificio e ilusión (aun cuando toca temas realistas) hay una tendencia, acentuada en el cine contemporáneo, que ha optado por un realismo y naturalidad, tanto en la puesta en escena como en la fotografía, que ha acercado más al cine al mundo real tal cual como lo conocemos y lo percibimos. Un perfecto ejemplo de esto es esta cinta, con sus tres horas de duración, sus largas y explícitas escenas de sexo y un relato más interesado en dar cuenta de situaciones y emociones que de contar una historia con todos los giros y artimañas de la narrativa convencional.

Adèle es una colegiala a quien le cambia la vida cuando conoce a Emma, una estudiante de artes solo un poco mayor que ella. Ese cambio lo registra la película de manera intensiva y extensiva, cuando en su larguísimo metraje se puede ver no solo su paso de la adolescencia a la madurez, sino también su despertar a la verdadera sexualidad y a la vida sentimental. Es como ver todo el proceso de una oruga salir de su capullo y convertirse en una bella mariposa, aunque una mariposa triste.

La vida de Adèle (La vie d’Adèle, 2013) es por eso un diario íntimo y minucioso, logrado a partir de esa fascinante cercanía que el director consigue con el personaje y la actriz, que se funden en una sola (tanto que el primero terminó siendo rebautizado con el nombre de la segunda). Solo de esta manera fue posible experimentar por parte del espectador con tal fuerza y empatía el viaje de esta joven por la vida, las relaciones con quienes la rodeaban y su encuentro con el amor y la sexualidad. L

Y este viaje lo que tiene de certero y entrañable también lo tiene de intenso y dramático, porque así como Adèle descubre la inmensidad y lo maravilloso del sexo y el amor (independientemente de que sea heterosexual u homosexual), también tiene la oportunidad de experimentar la honda tristeza del desamor.

Y es que esta no es tanto una película sobre el sexo y la homosexualidad, como en su predilección por lo escandaloso podrían verla muchas personas y medios, más bien es una historia sobre el despertar sexual y sentimental de una mujer, así como una experiencia íntima y emotiva por vía del amor y el desamor, sentimientos transmitidos con efusiva y dolorosa exactitud gracias a la sensible mirada y al talento de este cineasta.

De la trama, los personajes y las pelucas

Por: Oswaldo Osorio

Las películas sobre estafadores muchas veces dejan un mal sabor, pues tienden a ser chicles argumentales que entretienen un buen rato con esos giros donde cualquier cosa puede suceder, pero todo termina en mero jugueteo de la trama para despistar al espectador y sorprenderlo al final. Solo eventualmente estas historias consiguen cierta densidad gracias a la construcción de personajes y a los dilemas éticos a los que son sometidos. Esta película tiene un poco de lo uno y de lo otro, un término medio que en buena parte explica su favoritismo en los premios de la Academia.

La película está dirigida por David, O. Russell, un cineasta un poco sobrevalorado en la actualidad, todo gracias a ese punto medio que le permite obtener premios populares como los Oscar y, además, conseguir éxitos de taquilla. Pero en realidad tiene una irregular filmografía compuesta por interesantes comedias como Flirteando con el desastre (1996), o dudosas cintas de acción como Tres reyes (1999) y edificantes historias como El luchador (2010) o Los juegos del destino (2012). No se identifica en él un estilo o universo definidos, ni tampoco una especial concepción en lo visual o lo narrativo. Es en esencia un director de películas hechas muy funcionalmente.

Todo el filme está articulado sobre una trama más o menos convencional de estafadores, la cual consigue alguna mayor intensidad cuando la estafa llega al mundo de la política y la mafia. Pero en general esa trama es el mayor lastre de la película, por su fragilidad en la verosimilitud de los giros y situaciones y por la forma tan dispersa como está narrada, con unos momentos verdaderamente muertos o confusos y otros cargados de fuerza y connotaciones. Un indicio de lo poco seguro que Russell se sentía de su relato, es el uso de ese artificio narrativo en que se empieza la historia con una intensa escena que va más adelante en el argumento y que sirve de gancho para iniciar con algo interesante.

Por otro lado, lo que siempre ha tenido un especial atractivo en las películas de este director es la concepción de sus personajes y lo que consigue con sus actores. Aunque no necesariamente este atractivo es por virtud, pues a veces, como ocurre por momentos en este caso, es más por algunos artificios y excesos tanto del rol como de la interpretación. En esta cinta hay de todo un poco, desde la fuerza y calidez que consigue un Jeremy Renner haciendo de alcalde, hasta lo caricaturesca que eventualmente se antoja Jennifer Lawrence encarnando a la esposa vulgar. Y claro, el estilo extravagante de la moda y los peinados de finales de los setenta ayuda, y a esto se suman las transformaciones por el maquillaje, en especial la de Christian Bale.

Pero no todo es dudas sobre la consistencia o los artificios que pueda o no tener esta película en su narración y personajes, porque es posible identificar de fondo la intensión de darles un trasfondo más sustancial: a la historia por vía de la exploración de la ética y los remordimientos de estos estafadores, lo cual marca sus límites morales; y a los personajes introduciendo un conflicto con el asunto de la identidad y sus angustias e incertidumbres por los contantes cambios de personalidad. No son estos dos aspectos el centro del relato, pero ayudan a dimensionarlo y darle más relevancia, pues la película lo necesita, porque en apariencia todo parece reducirse a una trama sin mucha importancia, acentos en la actuación, mucho maquillaje y pelucas.

Una fábula sobre la codicia

Por: Oswaldo Osorio

La implacable ley vital de afrontar las consecuencias de las decisiones tomadas es lo que aguarda al final de este relato, y no lo hace por sorpresa, todo lo contrario, desde que en la tercera escena nos hablan de un brutal artefacto para asesinar, sabemos que en algún momento se va a usar, como el clavo de Chejov. De esto deviene una de las principales virtudes de esta película, que desde el principio, sin afanes y cuidando los detalles, va construyendo una atmósfera pesada y amenazante que prefigura lo inevitable.

A pesar de todo el reconocimiento que tiene el director Ridley Scott (Blade Runner, Thelma &Louise, Gladiador), en realidad la fuerza singular de este filme proviene de su escritor, el también reconocido novelista, y en este caso guionista, Cormac McCarthy (No coubtry for old man, La carretera), porque se trata de una película en la que sobresale, especialmente, la construcción de personajes, la dosificada organización del relato y unos diálogos inteligentes y certeros, como los del viejo Hollywood, cuando afamados novelistas eran contratados como guionistas.

La película es una suerte de fábula macabra sobre la codicia, la cual está enmarcada en el mundo del narcotráfico, pero desde dos contextos extremos: de un lado, el sanguinario modus operandi de los carteles mexicanos (y tangencialmente los colombianos), y del otro, la sofisticación de unos personajes que pertenecen más a la lógica estilizada del cine que a la realidad. Este contraste en principio puede molestar, pero como recurso dramático y narrativo es totalmente válido y tan eficaz como si se hubiera hecho una película realista a la manera de Scarface o Trafic.

Así que, en términos de puesta en escena y de propuesta dramática, hay dos universos bien diferenciados, uno realista definido por los narcos latinos y las consecuencias de inmiscuirse con ellos, y otro construido a partir del artificio y la sofisticación de unos personajes cruzados por la poética de la tragedia, que hablan como si fueran filósofos y son dueños de una sabiduría propia que sustentan con estructurados argumentos.

Igual ocurre con el aspecto visual y el manejo de los espacios, elementos también signados por el contraste de estos dos universos, pero en general definidos por un pulcro acabado en la concepción de planos, movimientos de cámara y manejo de la luz, un acabado que quiere estar más cerca de la estilización de los personajes sobre quienes se cuenta la fábula que del realismo cruento del contexto narco.

Se trata, pues, de una cinta bien pensada y que propone un estilo propio para construir su relato y los mundos que pone en juego. Todo está concebido para dar lugar a una estilizada fábula, un poco pretenciosa si se quiere, pero que va dirigida a dar una gran lección moral y existencial, aunque no con la intención de aleccionar, sino por el principio poético de decir grandes cosas con grandes palabras y, en este caso, también con grandes imágenes.

A propósito de Kick-Ass 2

Por. Oswaldo Osorio

Hay trescientos súper héroes registrados en Estados Unidos. Y no se trata de los hoy tan populares Cosplay (gente disfrazada de personajes de cómics, anime, video juegos, etc.), sino de personas que diseñan un traje y unos artefactos, asumen un rol, se autobautizan y salen a patrullar las calles y combatir el crimen (pero sin el respaldo de los millones de Bruce Wayne). No es un fenómeno exclusivamente estadounidense, pero es allí donde más los hay, sin duda por la influencia directa de la industria del cómic, principalmente, pero también de sus adaptaciones al cine y la televisión.

Aunque también, desde una perspectiva histórica y cultural, este país es más proclive a la idea de los vigilantes y vengadores, así como a la ley del revólver y la defensa de la propiedad e integridad personal a sangre y fuego, sustentadas en la Segunda Enmienda. Esto se puede ver en el documental Superheroes (Mike Barnett, 2011), el cual da cuenta, sin juzgar ni idealizar, de un proceder que puede verse al mismo tiempo como ridículo, peligroso o encomiable.

El estreno de Kick Ass 2 (Jeff Wadlow, 2013), es una buena excusa para reflexionar sobre las implicaciones de este proceder, tanto en la realidad como en su reflejo cinematográfico, porque es un tema que va más allá de los disfraces, las parodias y las alusiones a los cómics. Y es que se trata de una situación cargada de dilemas, que van desde las improbables o cuestionables motivaciones (venganza contra el mundo criminal, altruismo temerario o algún tipo de esquizofrenia), pasando por los problemas de identidad ocasionados por la construcción de una segunda personalidad, hasta la claridad o no con que manejen la diferencia entre el mundo real y el de los súper héroes. Todo esto aplica tanto para los reales como para los de cine.

Ahora, en cuanto a las películas con este tema, suelen optar por la comedia o el drama, de acuerdo con la seriedad o intensidad con que asuman esos dilemas. Normalmente no se lo toman muy a pecho, por eso se trata por lo general de comedias como Blankman (1994), Mystery Men (1999) o Super (2011); pero también existen otras cintas en las que estos súper héroes sin poderes dan para ahondar en las reflexiones citadas atrás, resultando historias sólidas y con fuerza, como Special (2006) o Defendor (2009), dos cintas en las que los problemas sicológicos de los personajes dan lugar a su delirio por hacer el bien, pero también a la construcción de unos personajes y conflictos que son la base de unos significativos relatos. La magnífica The Watchmen (2009) también podría ser un buen ejemplo de las adversidades de este tipo de súper héroes, aunque es una película que mezcla a ambos tipos de personajes, es decir, con y sin poderes.

La diferencia entre optar por el drama o la comedia y el tratamiento profundo o no de este tema, desemboca en un asunto crucial: el manejo de la violencia. Porque de la decisión que se tome al respecto se define cómo asumirla. Generalmente en las comedias no hay muertos y se trata de una violencia de vodevil, pero en los dramas ocurre lo contrario, con la gran diferencia de que en las películas con súper héroes sin poderes es posible que el protagonista sea quien salga gravemente malherido o incluso pierda la vida. De hecho, la citada The Watchmen empieza con la muerte de algunos de ellos.

Es por eso que Kick Ass, en sus dos entregas, resulta una propuesta inédita, porque nos muestra a unos súper héroes sin poderes pero con las consecuencias reales, aunque llevando también la violencia al extremo de los filmes de acción, donde ya no es muy realista. De manera que es un filme que reflexiona con seriedad sobre los dilemas inherentes a este tipo de personajes, pero también tiene algo de comedia y es cine de acción, una rara y difícil combinación que termina por funcionar muy bien.