Saluda al diablo de mi parte, de Felipe Orozco

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Voy, lo mato y vuelvo… y más

Por: Oswaldo Osorio


Uno de los esquemas argumentales más básicos, y al tiempo más intensos, son las historias de venganza. Son relatos de, como se dice, “voy, lo mato y vuelvo”. Esta película es de venganza. Y si bien alcanza la intensidad propia del esquema, no es tan básica como podría pensarse, pues propone unas implicaciones en su trama y unas reflexiones sobre los móviles de la venganza que la convierten en una cinta inquietante y con fuerza, porque además toca uno de los temas más polémicos del país.

Pero no es una película estrictamente sobre la realidad colombiana. Y es que lo que más les interesa a los hermanos Juan Felipe y Carlos esteban Orozco, director y guionista respectivamente, es hacer cine de género. Ya habían incursionado en el cine de horror con Al final del espectro (2006). Ahora se la juegan con un thriller cargado de violencia y tensión.

Y aunque el cine de género descansa sobre unos recursos argumentales y narrativos conocidos y recurrentes, además del thriller ser el más popular y frecuente de los géneros cinematográficos, esta película consigue no ser predecible ni esquemática, aun manteniendo la familiaridad con este tipo de cine. La naturaleza de sus personajes, donde prácticamente se pierden las diferencias morales entre protagonista y antagonistas, más los ingeniosos giros de la trama, lo hacen un thriller original e impactante.

El cine de género siempre es sinónimo de industria, y una de las exigencias de esta es el empaque, la buena factura. En ese aspecto los realizadores también fueron muy cuidadosos, porque se trata de una cinta de buen nivel en cuanto a su producción, sin que necesariamente parezca una película costosa, lo cual es un mérito mayor. Desde las interpretaciones, pasando por la concepción visual, hasta –aunque en menor medida- las secuencias de acción, se evidencia un profesionalismo a la hora de plantear y materializar toda la película.

Pero habría que retomar el aspecto del tema para definir mejor los alcances de este filme. Porque si bien su interés está en desarrollar un sólido thriller, con la venganza como su base, sus realizadores tienen la inteligencia y determinación de proponer como origen de esta venganza los procesos de desmovilización en el país, así como el debate de fondo sobre la impunidad de los victimarios frente al reclamo de justicia por parte de las víctimas.

Sin perder de vista en ningún momento el thriller de venganza, el relato empieza y termina poniendo sobre la mesa los argumentos de las dos partes, aunque podría decirse que, con todo lo visto a lo largo de la historia, los realizadores dejan en claro cuáles son las consecuencias de la ley del talión. Eso sin echar discursos ni emitir opiniones ideológicas explícitas. Les bastó enmarcar acertadamente en el contexto nacional ese cine que les gusta hacer: cine de género que parecen conocer bien, y más específicamente, un thriller original en su planteamiento, visceral en su desarrollo  y de sobresaliente factura.

Medianoche en París, de Woody Allen

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Todo tiempo pasado fue mejor

Por: Oswaldo Osorio


“Amo París cada momento, cada momento del año. Amo París porque mi amor está aquí.” Así termina la popular canción de Cole Porter. Pero según esta película, el amor de Woody Allen, más que por una mujer, es por la ciudad misma. Porque esta cinta es una carta de amor, del aún lúcido y genial director neoyorkino, a la Ciudad Luz y a su tradición como centro e inspiración del arte y la vanguardia.

Tal vez esta sea la más intelectual de su ya intelectual obra. Esto al punto de exigir, para su más pleno disfrute, conocer toda la movida artística e intelectual que se diera en esa ciudad durante la década del veinte. Scott Fitzgerald, Hemingway, Dalí, Gertrude Stein, Picasso, Buñuel, Man Ray, T.S. Elliot, y hasta el mismo Cole Porter, y sus respectivas obras, son los referentes que conforman la mitad de  sus escenas y determinan muchos de los giros del argumento.

La premisa de la historia apunta hacia aquel lugar común que dice que todo tiempo pasado fue mejor. Y esa idea parece tener argumentos de mayor peso cuando se aplica al arte. Esa conjunción de genios en el París de los veinte no puede verse como menos que una edad de oro del arte. Pero lo sería más el París de la Bella Época, y más aún la Florencia del Renacimiento. Al punto de pensar que el arte está en decadencia, que se acabaron los momentos de grandeza de la humanidad. Esa grandeza ahora parece estar solo en la ciencia y la tecnología.

Por otra parte, de nuevo Allen recurre a la lógica fantástica para crear una doble realidad. Un recurso óptimo para reflexionar sobre nuestro mundo, nuestro tiempo y la identidad personal. El paso de una realidad a otra del protagonista le da la posibilidad de comparar y contrastar, porque una realidad, la ideal, revela las carencias y desperfectos de la otra, la real. Tal experiencia, por supuesto, cambia su perspectiva del mundo, de su arte y del amor.

Estas comparaciones que puede hacer el protagonista resulta el argumento perfecto para que el director, nuevamente, se ensañe contra la estupidez del estadounidense medio, contra su moralismo, mal gusto y superficialidad, esto frente a los valores casi contrarios de Europa, en especial de Francia, y más si es la del pasado. El contraste entre el pasado y el presente, y entre un país y el otro, es la mejor forma para el director dejar claros sus planteamientos.

Pero, luego de lo dicho aquí, no se debe pensar que se trata de una cinta cerebral y aburrida. Esta reflexión sobre temas artísticos e intelectuales está cruzada por el amor, de no ser así estaría vacía, carecería de sentido. Las dudas y dilemas sobre el amor, el enamoramiento y el romanticismo se hacen presentes en medio de un relato vivaz y divertido, además cargado con la belleza de una ciudad (y su luz) que está pensada como la verdadera protagonista de la historia.

París, el amor, el arte y Woody Allen. De esta ecuación no podía resultar sino una cinta encantadora y estimulante, así como una lúcida y reveladora reflexión sobre esos tópicos, pero sin caer en la exposición rígida y pomposa de un filme intelectualoide. Por eso, no es solo cine, es una pequeña y deliciosa obra maestra.

Bright star, de Jane Campion

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El romanticismo revelado por una musa

Por: Oswaldo Osorio


“Sólo el amor insatisfecho puede ser romántico”, dice un personaje de una de las últimas películas de Woody Allen. Esta cinta es la historia de un amor insatisfecho, pero también un retrato del más puro romanticismo, así como el esbozo a trazos gruesos de uno de los cultores de este movimiento literario, el poeta John Keats. Pero sobre todo, es la particular visión de una mujer sobre estos tópicos: el amor insatisfecho, el romanticismo y el célebre poeta.

La directora neozelandesa Jane Campion (El Piano, Humo sagrado, En carne viva) bien pudo hacer una “biografía de artista” como esas que tanto hace el cine, pero prefirió apostarle a su universo y a su estilo, esto es, su predilección por el explorar la naturaleza femenina y hacerlo con sutileza en la construcción de sus personajes y a partir de imágenes estimulantes y, a veces, provocadoras.

Es por eso que el punto de vista del relato está planteado desde Fanny Brawne, quien fuera vecina y prometida del poeta los últimos dos años de su corta vida. A Keats lo vemos en un segundo plano, en las palabras de sus cartas y en los ojos enamorados de esta joven mujer. Porque todo en el relato está en función de ella y esto es lo que permite hacer la diferencia con otras películas que podrían ser similares.

Liberada para su época (principios del siglo XIX) y todo un mar de emociones y contradicciones, aún así Fanny se destaca como una mujer de carácter, a veces ingenua, otras perspicaz, y siempre vulnerable a las pasiones, tal como lo dicta el espíritu romántico, en el que los sentimientos y sus veleidades son la lógica que mueve a los individuos, más si están el amor y la poesía de por medio, como en este caso.

En tal sentido, esta no podía ser más que una película ungida en todos sus aspectos por la ilusión romántica. En su pareja protagónica, en las dificultades para que su amor fuera más completo y en la poesía que salpica el relato, ya sea en forma de misivas o en los versos de este poeta. Incluso las imágenes le hacen el juego a este romanticismo, al imponerse la belleza de la naturaleza, el color de las flores, los distintos ambientes de las estaciones y, en general, un evocador paisaje bucólico.

Pero es sobre todo la sutileza y contención del relato lo que puede llevar al espectador a experimentar un sosegado placer con este filme. Es fácil aquí entender el amor y la belleza, pero también la melancolía y el vacío ante la ausencia del otro. Porque toda la narración evita sobresaltos y apasionamientos melosos, induciendo a sintonizarse con el ideal romántico de la época y el fuerte sentimiento de sus protagonistas.

La poesía, el célebre poeta y la época misma, se rinden en esta película ante las sabias decisiones de una directora que sabe mirar el mundo a través de los ojos de las mujeres, que entiende cuándo tiene que ser sutil, trasgresora o apasionada, y que nos brinda una bella historia, tanto en lo visual y como en el espíritu que le da vida.


Harry Potter, la saga

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Para los que crecieron con el niño mago

Por: Oswaldo Osorio


Harry Potter es una saga generacional, es decir, la gran base de sus seguidores está compuesta por aquellos que, años más o años menos, tenían la edad del héroe y crecieron con él. Por eso cada película era un acontecimiento de vida para muchos (quienes, además, coincidían con el público que más va al cine), lo que conlleva a que la defiendan con apasionamiento, como el amor de sangre.

Para quienes estábamos ya muy por fuera de esa empatía generacional, fue inevitable mirar con recelo la que es ya la saga más exitosa de la historia del cine. Un éxito que se debe a ese público al que iba dirigida, a la cantidad de entregas (8) y, más importante todavía, a que coincidió (y supo explotar) con la revolución de la imagen digital, esa que hizo posible, como nunca antes en el cine, crear las más fantásticas criaturas y universos con total realismo y verosimilitud.

Es decir, la llamada “magia del cine” se vio potenciada con esta saga por doble partida: en su tema y en las nuevas posibilidades tecnológicas. Sin embargo, para quienes no pertenecíamos a la Generación Potter, ni el tema ni su tratamiento eran tan novedosos y la misma tecnología se estaba aplicando a otras películas más complejas y audaces en esos mismos aspectos.

Así que se trata de una serie de películas “diseñadas” primero para niños, luego para adolescentes y después para jóvenes, con unas cualidades que no van más allá de sus altos valores de producción y de entretenimiento, pero que no resistirían una rigurosa disección en aspectos como contenido, narración, construcción de personajes o solidez argumental. Dijo Joseph L. Mankiewicz sobre E.T, de Spielberg: Es una película encantadora, pero tiene el coeficiente intelectual de la perra Lassie. Algo parecido se puede decir de esta saga.

No obstante, en esta última entrega algo de eso cambió. Era apenas obvio que su desenlace, tan largamente preparado y esperado, tuviera la intensidad que le faltó a todo ese metraje que fuera alargado para exprimirle todo el jugo a la pottermanía. Solo habría que repasar las dos anteriores entregas: El misterio del príncipe estuvo casi toda en función de los torpes amores adolescentes y Las reliquias de la muerte I fue una larguísima antesala para el clímax y la batalla final.

Y efectivamente, esta segunda parte es un clímax (punto de mayor intensidad dramática de un relato) de dos horas. Siendo así, era natural que todo en la historia y su narración se potenciara: los miedos, los peligros, los amores, las confrontaciones, las pérdidas y las victorias. Es como si las ocho películas fueran una sola y esta última los quince minutos finales, que es cuando se soluciona el conflicto, se atan los cabos sueltos y (en este caso) le buscan pareja a todo el mundo.

Harry Potter es importante porque representa y celebra mucho de lo significativo que tiene el cine: magia, fantasía, ilusión, entrañables relatos, espectáculo, tecnología al servicio de las emociones y, por supuesto, grandes ganancias. Que este capítulo final será un verdadero éxtasis para los fanáticos, de eso no hay duda, y para quienes no hacemos parte del entusiasmo, de todas formas un final es un final y logra ser efectivo y entretenida.


Todos tus muertos, de Carlos Moreno

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El maizal de las tumbas

Por: Oswaldo Osorio

El más importante clásico del cine colombiano, probablemente, es El río de las tumbas (Julio Luzardo, 1965), el cual habla de la violencia del país a partir de los muertos tirados a los ríos, mientras las autoridades no solo asumen el asunto con naturalidad sino que tratan de desentenderse de ello. Casi medio siglo después, esta cinta del director de Perro come perro plantea la misma premisa, evidenciando, por un lado, la desconcertante verdad de que en este país nada ha cambiado, y por otro, el nivel actual del cine nacional.

Aunque todavía siguen bajando por los ríos del país los muertos de la violencia, en esta película aparecen es en medio de un sembrado de maíz. Se trata de una pila de muertos, literalmente. Una imagen que si bien puede no ser realista, es evidente que está construida para dar cuenta de lo desproporcionada y absurda que es la violencia en Colombia. Porque es potestad del cine crear este tipo de imágenes, además llenas de connotaciones, que nunca se le olvidarán al espectador.

Y si bien esta imagen –y sus muertos que miran- tiene mucho de surreal, no por eso es una película surrealista, ni mucho menos una comedia negra, como equívocamente se ha etiquetado. Aunque es cierto que toda la situación se antoja absurda, en especial la actitud de las autoridades, no causa ninguna gracia el estado de angustia y desesperación en que se encuentra su protagonista, Salvador, quien además de estar impactado por aquel macabro cuadro, teme por su vida y la de su familia. No es el humor la clave del relato, sino más bien la permanente tensión y el ambiente malsano y amenazante, eso a pesar de la imponente presencia de la luz y el color en ese ambiente.

Así mismo, son adversas las sensaciones causadas por la impotencia de Salvador ante una situación que toma una dirección contraria a la que buscaba: mientras él se encuentra afectado sobremanera por la gravedad de su hallazgo, el alcalde y los policías se toman todo aquello con una cómplice calma que hace sospechar lo peor. Por eso Salvador se encuentra como muchas veces está el país mismo, como un testigo mudo, temeroso e impotente en medio del crimen y la corrupción institucional.

Es cierto que lo que menos convence de la película es su tono ambiguo, el mismo que hace que algunos la vean como una comedia negra: La actuación afectada de Álvaro Rodríguez puede ser vista como caricaturesca, la actitud de las autoridades como si fuera una historia contada en tono de farsa (aunque todos sabemos que eso es perfectamente posible en este país, por lo cual la farsa es desdibujada por lo probable de esa realidad) y, sobre todo, esos muertos que cobran vida, que podría tener las más diversa lecturas (entre ellas la comedia), pero este texto le apuesta a verlo como un guiño de optimismo, como una alusión a esas vidas que no debieron haberse perdido.

A pesar de esa ambigüedad (o gracias a ella), se trata de un filme potente y llamativo, empezando por toda la violencia que referencia pero que, a diferencia de la anterior película de este director, es una violencia fuera de cuadro y, peor aún, asumida con naturalidad por la mayoría en aquel pueblo. También es un filme estimulante visualmente y que habla claramente sobre esas “oscuras fuerzas”, visibles para todos, que imponen los abusos y la muerte en este país.



Cuarenta, de Carlos Fernández de Soto

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Tribulaciones de tres promesas incumplidas

Por: Oswaldo Osorio


Los cuarenta años son los nuevos veinte, decían por ahí en alguna película. Al menos para los hombres parece funcionar más esta juguetona sentencia, seguramente diseñada para reconfortarlos en ese momento crítico de sus vidas. Aunque para muchos, la verdad sea dicha, realmente se aplica. Pero éste no es el caso de los protagonistas de esta cinta, quienes se encuentran no tanto experimentando un nuevo impulso en sus vidas, sino más bien en una encrucijada existencial.

Carlos Fernández de Soto al parecer se propuso con esta película reflexionar sobre ese momento en la vida de los hombres, cuando sus cuarenta años de existencia parece obligarlos a hacer balances. Y esta reflexión no es desde la perspectiva de aquellos que satisfactoria y felizmente le sacan provecho a sus “nuevos veinte”, sino desde la mirada de tres hombrecitos más bien grises y atribulados que le dan vueltas al asunto y a sus vidas, que se quejan y maldicen, que parecieran querer volver a tener veinte, más que para vivirlos de nuevo, para corregir el rumbo.

Que esta reflexión haya sido eficaz cinematográficamente, eso en realidad se puede poner en duda como se verá más adelante, pero ciertamente planteó y desarrolló su tema con sus posibles variables. Lo que habría que entrar a discutir es que si no funciona bien como expresión audiovisual, ¿entonces sus premisas, aunque estén manifiestas en la historia y sus diálogos, son menos significativas? En otras palabras, se puede decir que se entendió lo que quería decir, ¿pero lo dijo de manera que, como lo ambiciona  toda manifestación artística, implicara una experiencia estética y emocional plena?

Pero antes de tratar de responder esas preguntas, es necesario decir que, sin duda, el director planteó las mencionadas premisas, y para ello apeló a tres personajes que ilustran distintas posiciones ante la vida en relación con la edad que tienen. El primero es un periodista decepcionado y hasta furioso con lo insostenible de la situación del país, quien ha perdido casi toda esperanza de que él o su oficio puedan hacer algo; el segundo es un hombre casado y con hijos que descubre que es homosexual (sin duda el personaje más forzado en la naturaleza de su drama); y el tercero un hombre que, aparentemente, está satisfecho con su vida, pero que sus dos amigos y la película lo presentan como un ser inmaduro que se ha negado a crecer y que tiene una vida desprovista de toda seriedad y compromiso.

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Agora, de Alejandro Amenábar

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Historia(s) de la condición humana

Por: Oswaldo Osorio


El humanismo de la sabiduría casi siempre ha perdido la batalla contra la intolerancia de los necios, de los cegados por el poder. Tal es la tesis que se propone desarrollar esta película, todo a través del personaje de la filósofa y matemática Hipatia como hilo conductor. Se trata de una cinta española que se esfuerza en conciliar esas ideas de peso con todo el efectismo propio de su carácter de súper producción internacional.

El director de Tesis, Abre los ojos, Los otros y Mar adentro, Alejandro Amenábar, de nuevo demuestra su buen oficio para contar historias. Aunque muchas veces se ha quedado solo en eso, en el buen oficio, y lo esencial de sus relatos (salvo por Mar adentro) termina condicionado por la pirotecnia narrativa y visual, como efectivamente ocurre en muchos momentos con esta nueva película.

La trama se sitúa en un tiempo y lugar privilegiados de la historia de la humanidad, la ciudad de Alejandría a finales del siglo IV d.c. Eran los estertores del esplendor de la antigüedad y la imposición del cristianismo como la religión dominante, dos procesos históricos de choque, ideales para poner en evidencia la condición humana y sus luchas de poder.

Es así como aquí la religión, la política y la filosofía se enfrentan para definir cuál de ellas dictará las nuevas reglas de esa sociedad que se está reconfigurando. Las dos primeras buscan imponerse para hacerse con el poder, mientras la tercera parece más desinteresada y propone la conciliación, la igualdad y el humanismo. Pero la lucha es desigual y termina dominando la intolerancia, la crueldad y el fanatismo, todo esto presentado como un retrato no solo de esa época y esa sociedad, sino de la naturaleza de los hombres en general.

Para hablar de estos grandes temas la historia apela a los personajes de Hipatia y tres hombres que están en torno suyo y que representan cada una de las posiciones en pugna por el poder. Es a través de ellos que el relato desarrolla el drama humano (con amores, desamores, amistad y discrepancias) y el drama político. El equilibrio entre ambos aspectos es de los elementos más llamativos y mejor logrados de la cinta, aunque también son evidentes las concesiones que se hacen para lograr fáciles efectos dramáticos.

Y es que ya en las grandes ligas, con un presupuesto de súper producción y un acabado con el aspecto general del cine de Hollywood (es decir, uniformado con él), Amenábar debía apuntar a lo seguro. Por eso busca ser proporcional en cuanto a valores de producción, secuencias de acción y profundidad de la trama. De ahí que, por ejemplo, el componente histórico se acomode al efecto emocional buscado y no al contrario, como ocurre con el destino final de la heroína o cuando se sugiere que le famosa biblioteca aún existía.

De todas formas, se trata de un filme potente y llamativo, realizado con el rigor de buen artesano del cine como siempre ha sido este director español. Y aunque el peso aplastante de la producción, así como algunos esquematismos dramáticos, traten de imponerse a unas reflexiones que daban para algo más profundo y complejo, en general tiene un equilibrio que la convierte en una cinta solida y significativa.

Sin límites, de Neil Burger

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Entre la emoción y la sinrazón

Por: Oswaldo Osorio


¿Es posible que una película sea cuestionable en su calidad por la forma en que fue elabora y, aún así, considerarla una buena película? Claro que es posible, aunque ocurre con muy pocas, puesto que esta paradoja implica la separación entre el crítico de cine y el espectador, que no es otra cosa que la dicotomía entre la razón y la emoción. Es decir, con esta cinta la razón dice que no, pero la emoción dice que sí.

Y es que es inevitable caer en las “trampas del cine” con esta película, sobre todo porque se trata de un thriller, ese género que está construido siempre en función de manipular las emociones del espectador. Por eso, desde que el protagonista se toma la primera pastilla, la montaña rusa de episodios, conflictos y giros en la que se embarca, es tanto para él como para los que están en la butaca.

Porque todo lo que propone esta historia tiene que ver con una pastilla y su fantástico efecto para activar la lucidez y la inteligencia. La pastilla del hombre nuevo, podría llamarse, porque con ella cualquier cosa es posible. Por tal motivo, funciona como el elemento activador de la historia y los conflictos, una original variante para un thriller, porque de eso se tratan casi todos: la confrontación entre los personajes por obtener una ventaja sobre los demás, que generalmente es dada por dinero, armas o posiciones de poder.

De manera que nuestro héroe drogado y dueño del mundo nos conduce en un intenso viaje que incluye matones, prestamistas, tráfico de drogas, asesinatos, investigaciones policiacas, intrigas financieras, política, adicción, delirios por abstinencia y hasta una tibia historia de amor. Una recarga de elementos y recursos presentados en un lenguaje visual vertiginoso, efectista y vivaz, que hipnotiza la retina e inyecta la sensación de pulsión que mantiene el protagonista.

Sin embargo, ahora mirándola desde la razón, casi todo en ella es superficial y torpemente atado, cuando no gratuito y forzado. Empezando por la esencia de la historia, de la que se desperdició lo que pudo haber sido una interesante reflexión existencial en relación con lo que es y puede hacer el ser humano. Pero a este director el contenido de la historia le interesaba menos que la ya mencionada condición del thriller de mantener activadas una serie de emociones en el espectador, para lo cual recurre a golpes de efecto, falsas pistas, sorpresas y toda la caja de herramientas propias del género.

De manera que es posible ver en este filme una seguidilla de clichés, como empezar el relato por el clímax, dejar caer la última pastilla por una rejilla o el protagonista narrando y comentando lo que le ocurre. Y los inesperados giros están siempre en función de la eficacia para crear emociones y no de la solidez o hasta la cogerencia de la historia.

Aún así, es inevitable caer en la trampa y mantener durante casi todo el relato las manos tensadas o sorprenderse genuinamente con sus improbables giros. Es por eso que esta película resulta entretenida y es emoción pura, aunque de seso poco y de originalidad casi nada. Pero muchas veces en el cine, con eso es suficiente.

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Conocerás al hombre de tus sueños, de Woody Allen

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Amores averiados, repuestos inservibles

Por: Oswaldo Osorio


Una película de Woody Allen siempre es un acontecimiento, más en Colombia, donde los exhibidores en los últimos quince años solo han traído cinco de sus películas, eso a pesar de que el neurótico neoyorkino no deja de realizar un nuevo título cada año. La paradoja de su cine es que siempre es sobre lo mismo (las relaciones afectivas, principalmente), pero también siempre tiene la capacidad y lucidez para decir algo diferente, como en efecto ocurre en esta cinta.

No obstante, hay que aceptar que durante el último decenio la eficacia de su filmografía ha sido más bien irregular, pues se le vieron dudosos títulos como El ciego (2002) o Scoop (2006), pero también sólidas piezas como Match point (2005) o Vicky Cristina Barcelona (2008). Podría decirse que esta nueva película está en un punto intermedio, porque si bien la idea general que propone resulta, finalmente, reveladora en su patética visión de las relaciones conyugales, también es cierto que su desarrollo se antoja poco atractivo y rutinario dentro de su estilo.

Se trata de una película que no habla del amor, sino de las relaciones de pareja, algo que suele confundirse, porque muchas veces son lo mismo pero no siempre coinciden. Y esta historia, específicamente, habla de las relaciones insatisfechas. Entonces, más que de lo sublime del sentimiento, la historia se ocupa de las cuestiones prácticas: dinero, compañía, admiración, realización profesional, edad, etc.

Para dar cuenta de esto Allen construye una trama que ya es recurrente en sus relatos, esto es, presentar dos parejas de las que, a su vez, se desprenden otras cuatro por efecto de infidelidades y rupturas. Es decir, cada uno de ellos, en este caso, se va por su cuenta a buscar “al hombre –o mujer- de sus sueños”.

Pero tal cosa no existe, la vida nos tira a la cara al menos una prueba cada día y, para ajustar, Woody Allen hace toda una película para demostrarnos, en cuadriplicado, que la “pareja de los sueños” es una falacia de algunos meses o años. En cada personaje, cada episodio conyugal y cada historia marital, esta cinta pregona y recalca que el amor se desgasta y se avería. Y más aún, las piezas para su reparación casi nunca están en la relación (y lo que es peor, ni fuera de ella).

Es por eso que este autor se muestra implacable con sus personajes. Parece no perdonarles su renuncia, esa traición a la relación que tenían, aunque ésta ya no tuviera futuro. De manera que al hombre mayor lo muestra como un patético viejo que quiere recuperar su juventud, a su esposa como una pobre mujer que se consuela con embaucadoras adivinaciones, a su hija como una amargada y a su esposo como un hombrecito pusilánime.

Inevitablemente, la solución parece peor que el problema, porque las nuevas relaciones están fundadas en mentiras. Y en esto la película es pesimista con las segundas oportunidades, para lo que propone finales abiertos y penosos. Nada alentador para la vida, pero sí muy acertado como cine… aunque lo uno suela ser sinónimo de lo otro.

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Triste San Valentín, de Derek Cianfrance

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Cuando el amor ya no es amor

Por: Oswaldo Osorio


Porque amar es el empiece de la palabra amargura, dice una canción de Mecano. Y esta película desde su título anuncia esa relación entre el amor y la amargura, puesto que es una historia del nacimiento y muerte de un amor contada en dos tiempos, pasado y presente. No dice nada nuevo, pero tiene cierto encanto en la forma en que lo dice, por su intimismo, su juego con los tiempos y por la aspereza con que habla de la vulnerabilidad de este sentimiento.

Incluso su originalidad queda más en entredicho si uno ha visto la película 5×2 (Francois Ozon, 2004), que logra mucho más con el mismo planteamiento, esto es, el proceso de deterioro de una relación mostrando primero como terminó y luego cómo empezó. De todas formas, Derek Cianfrance logra un relato que, con fuerza y elocuencia, da cuenta de esta incombustible idea.

La clave de todo está en la estructura narrativa, trazada de forma discontinua entre pasado y presente, de manera que el espectador puede confrontar inmediatamente los dramáticos momentos de crisis de la pareja con el apasionamiento del inicio del idilio. Con esto es posible, por vía del contraste, potenciar la intensidad de cada uno de estos sentimientos opuestos.

Valga aclarar (y de paso recomendarla de nuevo) que la película de Ozon empieza con el final y termina en el principio, mientras esta cinta comienza con la relación de este matrimonio ya muy avanzada y da saltos del pasado al presente, un recurso narrativo que es usado con eficacia y obtiene el efecto mencionado, pero que también hiede un poco al truco narrativo que está de moda en el cine de los últimos años.

Tal vez lo más logrado de este filme es ese tono permanente de pérdida y melancolía. Aún en las bonitas secuencias de coqueteo y enamoramiento está presente esa tristeza, esto porque ya se sabe para dónde va tanto apasionamiento. Todo en ella es pesimismo y descorazonamiento, amargura como dice Mecano. Que uno disfrute y encuentre una cierta belleza en estas historias adversas, no deja de ser un tanto contradictorio y hasta perverso.

Pero aún falta más en este cuento triste, una tragedia todavía mayor que el desamor, y es que ese desamor solo sea de uno de los dos, dejando con esto colgado al otro, impotente ante la imposibilidad de hacer renacer ese sentimiento en su pareja. Esta situación queda especialmente evidenciada, tanto emocional como visualmente, en la patética y deprimente secuencia del motel.

Se trata de una película modesta aunque contundente, con una historia ya muchas veces contada pero que ensaya un artificio narrativo para hacer la diferencia (y le fenciona). Un relato que descarga gran parte de su responsabilidad en las actuaciones de Ryan Gosling y Michelle Williams, quienes son capaces de transmitir tanta desesperación y sufrimiento, la razón de ser de esta película, así como de tantas desafortunadas historias de amor.

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